Músicos, fãs e até mesmo ouvintes casuais que talvez tenham ouvido Jack DeJohnette Mort pela primeira vez por meio de uma gravação acidental ou de uma reportagem de rádio noturna permaneceram notavelmente em silêncio em seu último dia, 26 de outubro de 2025. Sua morte por insuficiência cardíaca congestiva aos 83 anos pareceu bastante semelhante ao momento em que um mentor querido deixa a sala: foi abrupta, pesada e profundamente contemplativa, mas também trouxe consigo um sutil impulso para manter o ritmo.
Sempre achei fascinante que sua carreira tenha começado com um banco de piano em vez de um trono de bateria, pois isso já indicava a excepcional sensibilidade melódica que influenciava seu fraseado. Relendo algumas de suas primeiras entrevistas nos últimos dias, fiquei impressionado com a frequência com que ele se referia ao ritmo como "moldar o espaço". Para ele, essa noção — que à primeira vista parece filosófica — tornou-se uma espécie de marca registrada. Era audível na maneira como ele permitia que os pratos se expandissem ou na forma como uma linha de caixa atraía sua atenção e depois a deixava cair.
Biografia e informações principais
| Categoria | Detalhes |
|---|---|
| Nome completo | Jack De Johnette |
| Nascimento | 9 de agosto de 1942, Chicago, Illinois |
| Morte | 26 de outubro de 2025, Kingston, Nova Iorque |
| Causa da morte | A insuficiência cardíaca congestiva |
| Educação | Conservatório de Música de Chicago |
| Profissões | Baterista, pianista, compositor |
| Instrumentos | Bateria, percussão, piano, melódica |
| Anos ativos | 1961-2025 |
| Principais colaborações | Miles Davis, Keith Jarrett, Charles Lloyd, Bill Evans, Alice Coltrane, Pat Metheny |
| Prêmios | Dois prêmios Grammy, membro do Hall da Fama da Modern Drummer (2007) |
| Rótulos | Milestone, Prestige, ECM, MCA, Blue Note, Columbia |
| Vida Pessoal | Casado com Lydia Herman por 57 anos; duas filhas. |
| Referência | www.jackdejohnette.com |
Ele desenvolveu uma técnica de bateria que outros músicos frequentemente chamavam de "multidirecional", utilizando sua formação clássica e um senso de movimento quase instintivo. Isso permitia que os sons se desenvolvessem por toda a bateria, em vez de achatar o ritmo em padrões previsíveis, o que a tornava muito eficaz. Sua performance me lembrou de observar um enxame de abelhas; cada som e cada movimento tinha um propósito, mas o ritmo geral parecia natural, e não artificial.
Uma das melhores ilustrações de como o trabalho em equipe pode levar à reinvenção é sua colaboração com Miles Davis. Muitos artistas mais jovens que têm pesquisado a era elétrica de Davis nos últimos dez anos enfatizaram as contribuições de DeJohnette como sendo especialmente inventivas. E eles estão certos. Sua participação em Jack Johnson e Bitches Brew expandiu os limites das composições, transformando os grooves em paisagens sonoras que mudavam de forma, em vez de apenas sustentá-las. Quando ouvi esses discos pela primeira vez na adolescência, lembro-me de ter ficado estranhamente atraído e satisfeito com a força com que a batida conduzia, mesmo sem ter certeza de para onde ela me levaria.
Ele desenvolveu uma técnica de escuta extremamente eficaz, quase conversacional, por meio de colaborações deliberadas com músicos como Charles Lloyd e, posteriormente, Keith Jarrett. Isso agilizava as conversas, permitindo reações rápidas sem monopolizá-las. O toque de DeJohnette foi descrito por Jarrett como "a dobradiça que permite que o trio se abra". Essa expressão sintetizava um aspecto muito peculiar da dinâmica: a bateria como elemento central, e não como pano de fundo.
Observei bateristas mais jovens tentando emular seu fraseado durante a pandemia, quando muitos músicos recorreram a apresentações virtuais, embora poucos conseguissem igualar sua profundidade. Sua curiosidade aprimorou significativamente sua capacidade de se manter extremamente adaptável, sentindo-se à vontade no fusion, no jazz espiritual, em trios acústicos e em texturas eletrônicas. Ele nunca se permitiu ficar parado. Sua paixão pelo jazz elétrico dos anos 1970 ainda era evidente em sua exploração de paisagens sonoras tranquilas aos 80 anos de idade.
Para artistas promissores em busca de orientação, seu exemplo foi muito útil. Ele passou décadas no Vale do Hudson, orientando jovens atletas com uma serenidade que transmitia uma confiança incrível. Muitos deles se lembram de que seus conselhos se concentravam em encontrar o próprio equilíbrio emocional, em vez de habilidades técnicas. Emocionalmente, essa estratégia parece surpreendentemente simples; ela promove a presença em vez da perfeição.
Essa mesma serenidade permeava sua vida pessoal. Seu casamento de 57 anos com Lydia Herman, uma união amorosa e incrivelmente resiliente, lhe proporcionou uma estabilidade que muitos músicos em turnê têm dificuldade em manter. Como sua empresária, ela organizava os ensaios, moldava sua agenda e protegia sua energia quando a pressão das turnês se tornava excessiva. A parceria entre eles era como a de um casal bem equilibrado: encorajador, perspicaz e intelectualmente compatível.
Ele criou um som que parecia lidar com contradições de forma harmoniosa, fundindo a energia espontânea da Nova York dos anos 1960 com as lições aprendidas em suas raízes em Chicago. Gentil, porém forte. Grandioso, porém resoluto. Grandioso, porém pessoal. Como líder, lançou mais de 35 álbuns, o que não surpreende, visto que tinha mais ideias do que uma banda poderia comportar. Uma nova versão dele surgia a cada década; ele sempre foi fervorosamente comprometido com a honestidade musical, fosse ela aventureira ou contemplativa.
Sua morte nos desafia a refletir sobre como a criatividade se transforma ao longo do tempo no contexto do legado artístico. Ele uniu gerações, da fúria do pós-bop dos anos 1960 aos experimentos de fusão dos anos 1970, até a beleza introspectiva do Standards Trio nas décadas posteriores, razão pela qual os músicos mais experientes falam dele com reverência. Artistas mais jovens, por outro lado, assistem a vídeos em câmera lenta de suas apresentações e examinam como um simples movimento de seu pulso pode alterar completamente a direção melódica de uma música.
As homenagens têm aumentado gradualmente desde o anúncio de sua morte, e cada uma delas traz uma carga emocional única. Nos bastidores, alguns relembram suas brincadeiras espirituosas. Outros recordam como ele os apoiava quando se sentiam inseguros. Antes de se tornar um gigante, muitas pessoas falam de tê-lo ouvido tocar em pequenos clubes. O retrato de sua humildade, que parece ter melhorado significativamente com o tempo, como se o sucesso o tivesse suavizado em vez de endurecido, é o que permanece constante.
Embora sua morte seja trágica, ela traz uma ideia esperançosa: o ritmo perdura e se reinventa através das pessoas que o ouvem. Nos anos vindouros, compositores ouvirão seus discos novamente para perceber como a contenção pode transmitir uma mensagem poderosa, pianistas examinarão seu fraseado e bateristas continuarão a redescobrir seus métodos.
